谁知道张信哲写的是什么书？

今天高校网小编整理了谁知道张信哲写的是什么书？相关信息，希望在这方面能够更好帮助到大家。

本文目录一览：

• 1、谁知道张信哲写的是什么书？
• 2、伦敦大学学院研究生申请条件是什么？
• 3、装饰画与写生画的区别与联系？古典艺术与现代艺术的区别？这一类的问题能在什么地方找到!

谁知道张信哲写的是什么书？

是《玩物哲学》
序

收藏对我而言，就是”一再的洗淘自已生命”的过程从一决定收集某个东西开始，它就成为你生命部分的印记，一开始，你惊喜于世界的开阔，随着藏品的增加，你满足于生命的丰富，直到它们成为你生命的包伏，你不得不重新思考，留下什么，放掉那些，让自已有新的空间。而经过这样的循环之后，你会发现自已更精粹，像淘洗出的沙金，闪闪发光。

所以收藏的哲学对我来说，不在拥有什么，而是如何挑剔，再挑剔。这样人生不会很辛苦吗?某方面可以这么说，但如果你把收藏当作追求知识或追求真像，那就不得不挑剔了，希腊人从贝壳的螺旋中看到了自然永恒的黄金比例，我想绝非偶然，从苏格拉底的数学，柏拉图的哲学到荷马的史诗，只有如此严紧的民族才能找到这样完美的公式，所以我们能不挑剔吗?

而挑剔对我来说的另一个角度，也可以说是浪废生命，而我一直很喜欢”生命，就该浪废在美好的事物上”这句话，而什么又是值得用生命去交换的美好呢?我说是”生活品质”因为好的生活品质绝对是创造美好回忆的最佳元素，也是我们努力的动力与快乐活着的最好的理由。

说了这么多，其实也用来追忆台湾这些年来进步之下流失的美好，希望这些零碎的片段能成为某些人创造更好，更美的将来的一些灵感。

收藏也是一种life style

收藏是从不自觉到自觉的实践过程。

我喜欢把收藏，说成是一种面对生活的态度。它是一种典型的个人行为，随着你的成长、经历，透过藏品，崭露你对于生活或者文化的一种响往与心理投射，甚而诱发你对于美的赏识潜力。

它的过程往往是从不自觉的一种想要拥有的原始情结，一路跌跌撞撞抵达自觉明晰的提升过程。是的，收藏让我感受到生命的韵律与节奏。

我向来觉得收藏其实只是一种行为，玩才是真的目的。

很自然地，在收藏的过程中，寻找本身就是一种乐趣，不仅你在找东西，东西也在找你，就这样玩出心得、玩出乐趣、玩出知识、也玩出兴致来。多走多看，眼力自然就会变好！

我先试着解释一下，个人对收藏的看法。

很多人以为，凡事只要牵扯到收藏，脑中就会浮现老古董的画面，我其实不太喜欢给它扣上这样一顶帽子。因为收藏绝对不会只停留在这么表层的意念。

其实，收藏比较像是一种life style，是选择与生活联结的某种形式，或者也可以说是对于美学或艺术的经验辐射，它就好像写日记一样，也如同你袅炊@本书。我认为看待收藏不要太沉重，而是要尽量从愉悦、轻松的角度出发，这样才不会得失心太重，而且成就感也会大些，正所谓玩物不丧志，就是这么一回事。

还有，收藏是一种赏心悦目的心情，或者是让生活更美好的手段。

透过寻寻觅觅的过程，经历了包括原始、精致、简约、现代、质朴、繁缛的美，它不再只是停留在拥有某一样古董的兴奋，而渐渐会衍生、激发出一种深刻、喜悦的快乐。最重要的是，它是很环保的！

在过程中，我收集了很多关于收藏的资料，曾经我看过一本欧洲图书，内容是介绍有着很丰富收藏的老酒店，其中有一个酒店的老板说：「一个好的酒店要有一些元素，像古董地毯、家具，还有银制嬷藉B水晶杯、磁杯等…」，他还说一家顶级的老酒店一定要有自己的样子或姿态，而这也就是我想说的，一种生活的态度。

所以，我喜欢将收藏与生活结合的感觉，而不是将之束之高阁，完全在日常生活中不起一丝涟漪的。比如说，想让屋子里的氛围来点不一样的况味，一张复古的太妃椅，配搭充满时尚感的现代家具，就会迸发出让人惊艳的效果。

相对地，如果你堆了满屋子的古董家具，空间的美感反而会出不来，这跟穿着打扮是一样的道理。毕竟这些所谓的古董，最原始的意义不也是被拿来用的，东西用了才会有升值的感觉。所以如果能巧妙的运用收藏品在生活之中，不管是用来点缀也好，或者直接拿来使用，都能发挥画龙点晴的效果，同时它也可以让你的时尚生活增添一抹文化气息。

还有，一旦进阶到收藏的意识阶段，你就会很自发性的想要袅知�v、美学或艺术史之类的书籍，以拓展自己的知识。当然，收藏的过程难免都会有看走眼的意外发生，不过一笑置之吧！错误的经验也能使自己累积经验、增加知识，觉得就别太再意了。

收藏让我更热爱并珍惜生命，也更懂得挖掘或享受生活中潜藏的乐趣，即使是很微小的快乐。虽然说收藏要靠缘份，不过收藏的意义绝对不只是收藏本身，因为就在你与藏物相会的路途上，快乐人生已然在其中。
从收藏看世界

「收藏会不会是一种从现实逃脱的方式？」

如果从外人的眼光来看，或麦桊u的有那么一点回事。也或扣A几乎要用一种肯定的语气这么讲，看着一个人眼中只有藏物，入迷专精的程度，丝毫不受外界纷扰所影响，这不是逃脱现实是什么？

不过我的看法很不同，如果说收藏是逃离现实，倒不如说收藏让你望向了另一片更宽广的世界，拥有更开阔的心胸。

每个藏家都有各自的收藏主题，我对收藏的热爱，比较是纯粹的兴趣所致，就如同收藏和歌唱，一个是嗜好，一个是工作，两者对我而言都很重要，无法去比较的。

我无法确切的说究竟是收藏影响我多一点，还是成为一名歌手，只是我有一个信念，就是喜欢什么，便要深入去了解，走马看花是学不到东西，也看不见事情的本质。

而收藏的乐趣不完全在于拥有，更多是来自于探寻的过程，从零到有、从无知到知、从模糊到清晰，小小的一只藏物，历尽千辛万苦，终于展现在眼前，过程中所经历的人事物，彷佛是人生的缩影，足以让人明心见性。

人家说玩物丧志，但如果偶尔为之，倒也不失乐趣。

有些朋友喜欢问我，收藏过程最大的收获是什么？我觉得应该是更惜物，更不忘本，更爱自己生长的土地。

有时候欣赏古代的工艺技术，都不禁会钦羡他们的纯真，因为只有如此才可能产生那般纯粹的创意！对照现在这个一日千里的文明社会，不是说文明不好，只是凡事求表面的快速与新奇，却忽略了关照事物最本质的情感，这才令人觉得感慨。

话说回来，收藏还原了历史，让你回溯到最初的状态，看清我们从何而来，过程中内在的心里也彷佛不断地向内探寻，这是相当有趣的地方。

除此之外，收藏也让我学会了取与舍。过程中，总会历经贪婪的阶段，什么东西你都想拥有，可是现实不可能让你每件事情都如愿的，即便你很富有，也不可能得到每一样东西，再说东西也带不走，太执着只会苦了自己！

所以说收藏对我而言只是一种乐趣，一种求知的乐趣。

我想起自己很欣赏的一位淡水瓮子王，他没有受什么教育，看起来像个乐天的农夫，不过却对台湾民艺很专精、很有见解，是非常用左涨玲帘a。他花了很多时间在研究民俗典故，我欣赏他对收藏的热情没有目的性，纯粹是出自于喜欢、爱惜的心情而已。

而在收藏的过程中，为了找寻一个心中的宝物，走遍全台湾的各个角度，接触了各式各样的人，然后体验到努力与获得的感受，着实磨练了我的毅力和耐心，这都是在收藏过程中额外的收获。

最后我想说的是，世界这么大，人如此渺小，可是透过一件件藏品还原历史，也间接还原了自己的原来面貌，让你更贴近自己，也更明了自己的位置。正因为如此，当你望向世界时，你的心会无所惧地拥抱它，而这种快乐就是最大的获得！

老玻璃之约

花瓶是我玻璃收藏的第一件，也因为它开启了玻璃藏品的另一扇窗。

话说我与花瓶的第一次相遇，是在北上念大学的时候。

挥别了纯朴宁静的斗六城乡，也道别了每一个曾经在我成长记忆中暂留的景象，我像一个对世界充满好奇心的新鲜学子，踩着快捷的步伐，涌入相较繁华喧嚣的台北小城，期待一个崭新的生活以及不一样的世界。离家几百哩不再是哼唱的旋律歌词，而是如此真实。

也闭O命运的安排，北上求学，我的学校就座落于淡水河岸旁，相对于台北还要来的古朴的关渡小镇。

也因着关渡离淡水小城有着地利之便，所以下了课或者闲闲没事之余，随兴搭乘公车，或者跳上火车往淡水行去，无所事事的闲逛亦或三五好友排坐在淡水海口欣赏落日余晖，便成了排遣空档、磋砣美好时光的兴之所好了！

淡水小城有一种很独特的氛围，蜿沿的街弄、起伏的楼舍，构成淡水鲜明的层次与盎然的古意。

早些年的淡水，有钗h贩售古董文物的特色小店，如今虽然还遗留下零星几间，不过大多被时兴的咖啡馆取而代之。

我走着走着，脚步伫然停在一间大门开敞的店家前，突然煞车是因为这家店真的有点突兀，它是一间米店，店老板是个很性格的人，不过门口却瞻F一个透明玻璃柜子，透过几净的玻璃，柜子里整齐秽韪F大大小小、色彩鲜艳的古瓮、玻璃花瓶、以及仕女使用的手饰等，当下我的目光被一只色彩鲜艳、线条优美的玻璃花瓶吸引着。

我目不转睛的注视着，心早被它那斑斓的色彩和流畅的线条给揪摄住，对当时的我而言，它真的是一只很美丽的花瓶，而且让人才看一眼就觉得心动。

开口问了价格，可不便宜呢！尤其对一个没什么经济能力的学生而言，根本是买不起的。不过虽然无缘拥有，但欣赏总能够吧！于是之后每次来到淡水四处走走逛逛，就会不自觉的来到这间米店，看看那花瓶还在不在，没想到这么闲逛着，倒也训练了不少识货的眼力。

像我还记得在淡水老街的交叉路口有间专门卖老东西的精致小店，店老板是一个很有味道的女士，她总是一身吉普赛的穿扮风格，我非常喜欢这家店，除了布置很吸引人外，店里的每一样老东西都非常有味道，看得出来女老板的品味。

后来我听说她是位画家，才恍然大悟难怪她的眼光这么好，选的东西都很有特色；不过因为每一样商品的价格真的不便宜，所以每次去也只能window shopping，喂食视觉对美丽事物向往的渴望罢了！

话说回来，我的第一支花瓶其实是朋友送的，原本是放在神桌上，后来因为其中一支丢了，但花瓶都是成对的，所以朋友就把剩下的另一支送给了我，它是一支牡丹瓶。

牡丹瓶是台湾玻璃花瓶之中最具有代表性的，因为牡丹象征富贵，通常在它的瓶身中间会有一朵无色透明的牡丹花陪衬，因而取名牡丹瓶！

牡丹瓶有大有小，它的瓶身呈现优美的线条，宛如女人柔美的颈线，多半的颜色都很鲜艳，且以红色与蓝色较为常见，绿色和黄色较为少见，但也有双色绞胎极具流动感的作品。

在台湾的社会中，因为信仰的缘故，花瓶要算是很重要的家庭粮]，几乎可说是不分贵贱贫富，每个家庭的供桌上都至少会有一对花瓶，用在初一、十五祭拜祖先、敬拜神明时，插上鲜花，成为五供之一。

也因为花瓶在台湾文化所占有的重要性与普及性，使得遗留下来的花瓶藏物为数颇多。念大三的时候，因为出了唱片成了歌手，开始有一些经济能力，我开始比较积极走遍台湾，收集一些不同年代、不同工艺、较具代表性的花瓶，收到现在也有上百支的数量了。

而除了花瓶外，我也买了不少很漂亮的玻璃冰碗、水壶、杯子及盘子等食器。主要是因为台湾位于亚热带气候区，炎热的气候促成了独特的冰食文化，也因此产生了钗h富有艺术价值的食冰器皿。

通常，盛冰当然以玻璃材质的器皿最为恰当，也最能烘托出冰食沁凉于心的口感！于是，从早期最简朴实用的冰碗、冰水杯、水壶，到晚期注入了各种工艺装饰性的花纹图案，无形之中吃进口里、看在眼里，愉悦的饮食文化更是不在话下。

除了冰碗、冰壶、水杯之类的玻璃用品，我还收了好几套看花，所谓的看花其实是客家文化的一种习俗。在造型和材质上，客家文化的看碗跟一般的玻璃冰碗没什么两样，不过对于早期的客家人而言，看碗几乎是每个家庭神明厅里的供桌必备的，而且一定是一组五件，就是俗称的五供，这个在日据时代尤其兴盛。

而客家文化的看碗习俗，就是在五个看碗里瞻W女红刺绣的美丽花饰布（称为看花，这个在稍后章节会作介绍），诮b冰碗上，当做祭祖拜神的清供，看花平时是挽菄满A要祭祠时就会打开来。

而看碗乍看跟玻璃冰碗其实没什么两样，只是更早之前，因为玻璃制品还很昂贵，一般家庭都是拿高脚瓷盘来放东西，后来玻璃器皿成了流行的玩意儿，就被拿来大量的运用，而且因为雕刻精致、颜色与纹饰都清丽典雅，也为居家缯ⅣW添了不少情趣。

欣赏这些文物的过程中，我常想，台湾过去的民间工艺文化如此精致，创意无远弗届，我们应当回头看看老祖宗的微妙巧思，说不定可以启发我们更多的美的意识，让我们的生活更加丰富多趣。

东南西北买

在我开始工作赚钱之后，收藏的过程便从寻宝晋升至买的阶段。

因为付出的是金钱，所以就会更在意买了些什么、合不合价值；为了买到心目中的理想藏品，便开始像地毯式搜寻般，跟着同好在全省各个乡村小镇找货，那是一个疯狂但成长最快的收藏阶段。

好像无可避免的，一旦你开始有经济能力，能够用辛苦赚来的钱买到心目中的理想藏品，除了精挑细选、爱之所买，你的收藏神经会变得益发敏感，看货找货的欲望也会节节高升，毕竟好的藏品所费不赀，你总是希望买到超越金钱价值的好东西。

在做了歌手之后，用自己的能力赚了些钱，虽然偶尔还是习惯性的跑去无人居住的老房子寻宝，不过收藏的目标大致已慢慢转移至古董店。

由于当时台湾民艺的资料很残缺，除了一些学者慢慢地在民间做田野调查、累积资料，大部份还是得靠那些熟门熟路、经验老道的古董商口耳相传，这些古董商个个是能言善道、长袖善舞，而且相当好客，加上我本来就对收藏求知若渴，于是常常在买了东西之后，便到古董店里去串门子、嗑瓜子，和店老板天南地北的聊，日子久了也成了无话不谈的朋友。

那段期间很好玩，我对收藏是满头热，不但一天到晚去逛古董店，也认识了蛮多收藏同好，日子久了、交情够深了，那些古董商还会组团让我们跟着去穷山僻壤的边垂小镇，拜访各个区域的第一手贩子，见识他们找货的过程。

这些所谓的第一手贩子多半是当地收旧货的居民，货源都是直接去老百姓家里寻问，收来的东西都是论斤论两卖的，销售对象则是古董商；通常古董商朋友会礼遇我们这些客人，让我们先挑完了东西，然后他们再挑。

比较常光顾的古董店，像高雄的Miss Yang、彰南路的大蔡小蔡兄弟等，都是认识几十年的朋友，这些朋友个个都很健谈，大家都对台湾民艺有很大的热情。

像Miss Yang算是圈子里少数的女生，我和她相识有七、八年之久，当初也是藏友介绍才认识的。她常常很大胆的在全省走透透，深入乡间民宅去挖宝，然后从当年一个收藏爱好者成了古董商人。

Miss Yang是那种很好客、很随性，但行事低调的人。她很早就开始有系统地收集台湾老玻璃艺品，我有很多宝贝就是跟她买的。现在她在高雄市苓雅路的市局民宅开了间很隐密的古董店，因为没招牌，所以一般人经过可能压根也不会想到这里竟然卧虎藏龙。

另外，由于老家住在斗六，我只要回去就一定会去彰南路一带的民艺店闲晃，大蔡就是在那里认识的。这个老板很有趣，性格也很随性豁达，喜欢过着闲云野鹤的生活，每天经过他的古董店，总看到他在门口烤肉，平时他就到处钓鱼、打猎，是不折不扣的性情中人。

大蔡其实是半路出家来卖台湾民艺的，弟弟小蔡则是圈内相当有名的古董商。大蔡和老婆原本住在台北，但因为俩人都喜欢乡间生活，所以就毅然搬到中部，每天不是聊天、喝茶、嗑瓜子，就是到处玩耍，生活过得相当惬意，他们贩售很多生活古董，价格很合理而且能够跟现代空间结合的很好。一直到现在，大家成了好朋友，我还是时常去拜访他们，并吸收最新的讯息。

其实古董店逛多了，透过店老板的穿针引线认识了很多收藏同好，同好之间一个拉一个，彼此再串联起来去开发新的古董店，而那些店家也很好玩，常常是一通电话拨过去，他们就在店里把茶泡好，等着我们谈天说地。

就这样，几个同好走得愈来愈近，大家有志一同对收藏着了迷，便也呼朋引伴三不五时在下班后，连晚壑]不吃的就挤在一辆车子里，全省东南西北的走，常常三更半夜还在荒山野岭里闲晃着。

我们几个志同道合的人在全省四处收购，成员有做广告的、做设计的、当老师的人，大伙不但一起找货，也一块研究藏品，对于收藏的知识便一点一滴的累积起来。

我的想法是，这些老东西再过几年就会消失，现在不收更得何时，所以有幸碰到同好，我们固定三、四个成员，一个月在全省跑个四、五趟也是小case。

我算是蛮用央A而且完全是自发性的，除了勤于找数据、翻书、做笔记，也绝不吝于请教古董商及藏友，不过古董商多半是舌灿莲花、很会说故事，但不一定讲得全是有根据，因此最好能够多听多看，然后再消化吸收、融会贯通，自我架构成一个藏品知识的系统！

回想起来，那真是一个很重要的阶段，是成长最快、进步最多、并奠定专业收藏基础的时期，当然怀念也特别多。

所以，如果你也真心喜欢台湾民艺，我想透过这样的模式，多跑几个古董店，多与同好们交换讯息，再加上多袅炕A并勤于到各个地方去看货，拓展鉴赏藏品的眼力和知识，我敢说你对藏品的眼力与知识一定与日俱进，而过程中你也一定会获益良多的！
藏身所在—红眠床

一开始，是缘起于一场台风过后。

某一年的台风过境之后，平静的街道被狂暴的飓风一扫而过，显得狼狈不堪，不过这却是捡宝物的好时候。

我印象最深刻的是，那时我一个人在斗六老街上闲晃，路边尽是一些因受潮而被丢弃的成堆杂物，走着走着，居然发现了一个有围篱和天貌漪鶦v床被丢弃在路边，在那之前我从数据上早就知道，「红眠床」的名字是取自闽南语发音，因为是由两个单人床拼成一个双人床，于是有八个脚，又叫作八脚床，多半作为嫁妆用。

刚看到这个红眠床的时候，我因为内心太兴奋而一直发抖，赶紧跑回家跟我老爸讲，祈求他让我搬回家，结果却反而被骂到臭头，不过我实在是不死心，于是跑回红眠床那儿去，既然不能拥有整张床，脑筋动得快的我干脆一不做二不休把上面的雕片、床栏杆、插角硬是拔了下来，如果没有记错，这些零件应该还藏在我仓库的某一个角落。

虽然从现在的眼光看起来，那张床实在不怎样，不过因为是生平第一次捡到家具类的宝物，心里难免兴奋不已。而那次之后，我还捡到过太师椅，而且那次学聪明了，没有向父亲报备就径自地搬回家了，不过椅子最后好像还是送人了。

至于我买的第一件家具，应该就是红眠床！不过这张床可是有故事的。

88年我刚好开始出片，没想到第一张就红了，但由于年底要去服兵役，因此同一年间唱片公司帮我规划了三张唱片，从三月第一张到了十二月初就出了第三张唱片，每一张都是紧锣密鼓，完全没有喘息的时间，而且就在我第三张唱片一出后不到四天，又要入营去服役，那一年我真的过得很惨，所以我决定要送给自己一个礼物、一个纪念品，好好犒赏自己。

某个晴朗的午后，趁着没通告的日子，我一个人跑到三峡去，然后在一家古董店里看到了一张很美的床，当然从现在的眼光来看仅只是中等，不过因为那是我买来慰劳自己的第一张床，也就显得格外有意义了。

为什么会想要买床，而不是其它的家具呢？主要是因为那年我从学生变成歌手，人生脚本的变化很大，由于是中部人，台北也没有亲人，于是一开始发片时都是住在唱片公司里的歌手休息室，而且每天都是打地铺的，然后休息室里面有个卫浴设备，充当临时更衣沐浴的地方。

当时我的生活就是如此，在光鲜表相之外，日子其实过得蛮苦的。后来唱片卖得还不错，公司也搬到一个比较大的地方，旧办公室就租给我们几个员工居住使用，虽然赚了一点钱，但因为当时的版税很低，加上还要偿还一些贷款，所以我也就凑和地住了下来，但因为一直是睡在沙发床上，所以不是住得很舒服。

后来，就在快要当兵的前几个月，我们有八个好朋友决定对自己好一点，在南港半山上合租了一间独栋别墅，三层楼的楼房里共有五个房间，刚好也是在那时候第一次在三峡看到那张红眠床，不过因为价格不斐，要三十万元，而且以我当时的财力其实不太能负担，不过一想到自己被操到那么惨，一整年都在工作，生活除了录唱片就是做宣传，而做完宣传又要录另一张，中间还要拍电影，完全无品质可言，一想到好不容搬到一个象样的地方，加上又要去当兵了，挣扎了好久，最后还是决定买了。

其实早在我第一眼看到那张红眠床的时候，心里根本就打定主意了。它的风格中西合并，是新竹体的基本样式，是张很大气的八脚床，而图腾花蔓与雕刻则是取自西风，骨架是用很好的楠木做作，楠木在木材种类算是上等的，比桧木还要好。

一开始，真的是被它的价格吓到，但看了好几次，仍是很喜欢这款床，后来我还请公司的一个主管去帮我杀价，没想到居然从三十万杀到了十五万，而且还可以分期付款，若没记错好像分了三、四次，没想到终于买了生平第一张红眠床，那兴奋的心情真的是难以言喻。

在当时，这个价格几乎跟进口高级家具一样贵，不过为了慰劳自己一整年的辛劳，这样绝对是值得的，而这也是我生平第一次自己装古董床，装床要有慧根，如果没有人教你，肯定会装错，因为安装有一定的步骤，如果步骤错了，又得要拆卸重装了。

其实我房间不大，所以床放了进去，就占了一半的空间，加上又做了床垫，还买买很多枕垫等放在床上，使原本空荡的房间顿时变得热闹起来。

由于因为红眠床有包裹的感觉，所以睡在里头会很有安全感，而这张红眠床陪伴我好几年，一直到我退伍后，又在那里住了二、三年，那张床就一直陪伴我。最后虽然这床也被我转卖出去，不过却在我成长的过程中，留下钗h美好的回忆！

外曾祖母的绣花鞋

我的第一双绣花鞋，乃拜外曾祖母之赐。

因为某些家庭因素，从小我们就跟母亲娘家很亲，而身为家族长孙的我，就像手中握有皇帝钦赐的尚方宝剑般，享有某种因传统价值而衍生的特权。

记忆中，在我很小的时候，外曾祖母总是很沈静、优雅地坐在老屋里，幽暗的灯光、因阳光位移所造成的光影，衬着她娇小的身躯特别醒目。

外曾祖母是旧时代的传统妇女，拥有一对三寸金莲般的小脚，不过因为年近百岁，已无法行走，来去都得让人给她撑着扶着。小时候我很怕看到她的脚，总之就感觉那是相当怵目惊心的画面，因此对她的脚印象也特别深刻！

不过恐怖归恐怖，小鞋因为造型特殊，鞋面上优美的刺绣图腾，还是很吸引人，因此仗着长孙之姿，我耍赖地跟外曾祖母要小绣花鞋，而她也大方地赏了我一双小鞋。

后来，外曾祖母过世了，在那个年代，活上了一百多岁，相当于一个世纪之久，可以说是超级长寿有福气的，过世的时候家人把她生前的物品，大半给烧了，一直到年纪稍长以候，有一次我回到屏东老家，翻着她的旧东西，发现有不少烧漏的东西，不过都不是什么有价值的东西，不过却勾起了不少儿时回忆！

自从拥有第一双绣花鞋，陆陆续续也收集了很多跟小鞋子或刺绣相关的台湾早期女红作品。尤其当了歌星之后，很多歌迷知道我喜欢这些藏物，就有人大方地送来她外婆的小鞋子，而且是很完整的一整套，包括鞋子、裹脚用的布、还有绑在鞋子外面，上面满是绣花图样的饰裤。虽然鞋子是穿过的，但饰布与裹脚用的布则是全新的，一直到现在我还把那组小鞋子收藏得很好。

算一算，我收藏的绣花鞋就有二、三十双，主要以台湾早期的弓鞋以及客家鞋款为主。

没有深入了解的人可能不知道光是绣花鞋，因区域不同，式样与造型的变化也各有千秋。根据数据的记载，台湾早期的居民当中，会缠足的大多是福建漳州及泉州来的汉族妇女，而客家女人因为要干活儿的缘故，基本上是不缠足的。

台湾的小鞋子以弓鞋为主，弓鞋是闽南特有的鞋型，它的样子像弓，所以取名弓鞋；侧面看过去鞋型有个脚后跟（如图），是用木头削出来的后跟，众所周知在穿之前要先经过缠足的动作，而且是从四、五岁就开始了，以现在的眼光看确实是有些残忍，不过经过那番折腾，为得还是能早日穿上三寸金莲！

但不论弓鞋的刺绣花样有何变化，基本弓型是不变的，它最像宋朝的弓鞋，由于这玩意源流很多，传到各个地方经过时间的淘洗，也都发展成风格迥异的花纹样式。话说回来，在当时那个社会，会缠足的女人多是富裕之家，一般认为缠足的女人走起来路来摇曳生姿，是优雅富贵的象征，这习俗该算是从大陆流传过来的。

而客家鞋的刺绣花案也别具特色，客家鞋的鞋身是布做的，鞋底是用粗糙的竹梅纸层层迭迭到二公分厚左右，然后再用皮贴紧，并用麻线将之缝补起来，鞋尖往上偏后的方向翘起来，看起来像一艘船，而鞋后跟处有的是包起来的，有的是开口的，长相其实跟现在的鞋子很相似。之前曾经流行过好一阵子客家风格的绣花鞋热潮，很多日本人还特地跑到台湾或香港来大量采购，尤此可见它的魅力了。

值得一提的，客家鞋与弓鞋的不同，除了样式不同外，连刺绣也各拥风格，两者可说不遑多让，各自有自己的配色与图腾，关于我的这些收藏，大概是从清朝末年到公元1930年代左右，鞋子之外，还有服饰类，可说是从头到脚都有收集。

其实这方面的常识，都是收藏之后才去找资料的，但得承认在台湾这方面的资料并不好找，很多都是口耳相传，或者早期钗h爱好民间收藏物的同好，上山下海，花上了钗h时间下乡拜访给调查来的，全是得来不易的数据，所以更值得好好地珍惜！

古代时尚观

没有绚丽灯光与醉人旋律，也少了曼妙身材的模特儿在舞台上摇曳生姿，但光是欣赏这一件件纯手工打造的老衣裳，便可以想象咱们老祖宗追求时尚的那股劲，绝不落人后。

我回想了一下，差不多也是在收集刺绣之后，才开

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伦敦大学学院研究生申请条件是什么？

伦敦大学学院研究生申请条件及要求：
1、学术要求申请人需取得国内全日制本科学士学位，且均分达到80%-85%及以上(2:2学位要求相当于均分80%、2:1学位相当于均分85%)
2、语言要求申请伦敦大学学院硕士雅思需至少达到6.5-7.0分，具体要求视课程而定。除了雅思考试成绩之外，硕士课程也接受托福iBT、多邻国、剑桥英语C1/C2、PTE等多种语言资格的申请。

装饰画与写生画的区别与联系？古典艺术与现代艺术的区别？这一类的问题能在什么地方找到!

高校网(https://www.hengaoxiao.com)小编还为大家带来装饰画与写生画的区别与联系？古典艺术与现代艺术的区别？这一类的问题能在什么地方找到!的相关内容。

1.装饰画与写生画的区别：
装饰画：注重色彩的象征性和整体的统一，表现手法多以夸张、变形、简练概括为主，给人以简洁、明快、强烈的艺术美感。
写生画重视兴会、灵感，要有情势所动，讲意在笔先。而实践性、速写性、概括性、色彩丰富性、创造性是风景写生课的重要特点。总的来说，写生画注重的是概括、速写（接近真实而又表达动势）以及作者的创造。
2.装饰画与写生画的联系：装饰画应在写生的基础上进行变形，即装饰画的素材来源于生活、来源于写生；写生画则在一定程度上吸取了装饰画简练的特点，概括出物象的特征，并在一定程度上表达作者的思想。

3.古典艺术与现代艺术的区别
在我看来古代艺术注重以型传神，现代艺术却注重以意统型。你看埃及的金字塔及狮身人面像、或者秦兵马俑无不是如此，他们或通过巨大的体量震撼观众或通过强大的阵式征服观众。不论狮身人面像还是秦兵马俑首先进入观众视野的是型，最后留在观众心里的还是型，型后的意始终居于其次，他们都是通过雕塑的造型技术来达到一种形体的再现和意念的表达。你再看现代雕塑，克里斯托的《包裹德国国会大厦》和野口勇的《水火环》，首先人们感到的是不可思议的妙想。奇思妙想的勇气让人感受到人思想的巨大力量和自由思维和表达的酣畅，这里型早已退到了其次甚至人们看着他们而忘了型的存在。
现代艺术
一、现代艺术的瓦解起源于古代地中海沿岸（埃及、希腊、西亚）的西方艺术到19世纪后期，出现了转变的苗头，这个苗头进入20世纪后，成为西方艺术的主流，这就是西方的现代艺术。
可以把西方现代艺术看成是一座大厦。由各种不同类型的视觉风格组合而成，建造这所大厦的原理，是科学和理性。这是西方数百年来的思想文化核心，也是我们这里比较缺乏的东西，西方人凭借这些在技术和社会管理方面取得飞速进步；但也带来局限，是抑制生命的部分活力，比如男女相悦离不开自然的吸引力，如果只从职位、收入、门第角度考虑和计算，理性态度是有了，但感情会受影响。所以，在涉及人类情感和性灵的地方，不能只听科学的。
现代艺术的创作，与科学思想密不可分，结构主义与立体派，工业技术思想与未来派、风格派，机械制造形式与达达派的机械图纸绘画，弗洛伊德的释梦学说与超现实主义，还有以理性手法表达非理性的抽象表现主义，等等，都是科学和艺术联手的结果，人们把艺术创作看成是一种有规律可循的造物过程，这样，艺术家出图纸，工厂按照图纸生产艺术品，就成了合情合理的艺术创作程序，1960年后的美国就是这个样子。那时，许多艺术家从事各种各样的工业与材料试验，发明新的合成材料，使用机械装置成为作品的动力系统，声光电磁成为新的艺术资源，下面几项艺术活动能说明当时的情况：
（1）光效应艺术（OPArt），这是一种基于光学知识的心理试验艺术，创作者通过精确校正的色彩和几何形制造出有动感的光色效果，代表艺术家是布里奇特·里列（Bridgei Riley）和瓦萨雷里（Vasa-relev）。
（2）极少艺术（nIlnlnlallsn1），突出特征是以工业方式生产艺术品，追求数学的精确性，代表人物是贾德（Donald Judd）,作品通常是相同单元的重复。
（3)“动态雕塑”（Kinetic Art），有许多代表人物，如瑞士人廷古莱(Jean Tit-ian），制作了变体绘画机器，为首届巴黎双年展制作了一台“有香味有声音的变体汽车”；莱里（Len Iye）制作了有微妙平衡的活动雕塑，等等。
(4）灯光雕塑（Lighi Ari）是雕塑的另一发展方向，其形式类似霓虹灯广告。代表人物是青年艺术家弗莱温（Dan Fla-vin)。
（5）1966年纽约军械库举办《艺术和工程》试验展览，展出许多高科技手段设计的艺术品，并由此带动艺术家和科技工作者的紧密合作。随后成立的’艺术和技术试验”组织，有3000人参加。
还有更多的类似活动，频繁地出现在世界各地，形成风潮。如纽约现代美术馆有“机械”展，惠特尼美术馆有“光”展，伦敦有机械“动力”艺术展，洛杉矾有“工业”展，等等。科技力量由介人艺术发展到支配艺术，西方现代艺术在借助科学力量创造新成果的同时，也把自己送上了不归路。
下面这些艺术家是1960年代艺术与工业结合的代表：
（1）色面抽象画家纽曼（Barnetr-man），以近乎不断重复的方式，制作单一色块。
(2）金属雕刻家大卫·史密斯（David SITiith，1906～65），早年在军事坦克工厂做焊接工人，后来就发展出一种钢雕刻，这种雕刻提供给观众的是它的没有实际功能的机械性品质。
（3)行动艺术与色百抽象结合的画家弗兰肯塔拉（Ftankenthaler,1928-）对抽象表现主义资源的再利用,把艺术变成某种物理信息的表达.(4)黑条画家吏泰拉（Frank：tLixlla，1936-），使用铜和铝探讨不同形状的画布造里，以矩形和棱形为多，创作大、规模的色快分割作品。
二、现代艺术的性质有学者把西方美术的历史概括为三个阶段，即：前现代一现代…后现代。这个分期法中，一切艺术都是围绕着“现代”来确定其时段的，“现代”成了划分历史的坐标，这个分期法狠简单，也容易记，我们不妨惜来一用。
旅美日本文学理论家洒井直木（NaOki SakiIJi）在一篇谈日本后现代文化的文章中说："前现代一现代一后现代的序列暗示了一种时间顺序，我们必须记住、这个秩序从来都是同现代世界的地缘政治构造结合在一起的，现在众所周知的是。这种秩序基本上是十九世纪的历史框架,人们通过这个框架来理解民族、文化、传统和种族在这个系统里的位置."历吏阶段的划分不是纯然时间性的，而是和空间纠葛在一起的。这意思是说，在同一时间里，不同地域可能分别处在不同的文明阶段；比如同处19世纪，中国是封建帝制国家，而西方早已进入资本主义，因此，有人说凡是当代出现的艺术都是当代艺术：是不对的，现在我们国家展览会中出现的许多美术作品就不具有当代艺术的特征，甚至不具有现代艺术的特征，这正是东西方地域差别的结果。
无论是“前现代”还是“后现代”，都是与“现代”进行比较后才可能产生的看法，弄清什么是“现代”，是进行这种比较的前提。我们可以从两个角度体察“现代艺术”发生转变的原因。
一种是风格和形式的角度，这是一种数量的概念。从理论上说，我们可以计算出西方现代主义阶段创造的视觉形式和风格的数量，这个数量很多，以倍数超出已往任何时代，也是中国已有美术形式和风格的总和也无法比拟的数量。
另一种是价值的角度，所谓价值，是断什么好，什么不好的标准，价值是质的概念，关系重大。不同价值观导致不同的评价结果，比如，用明清文人的价值观看今天的中国画，就会认为今不如昔。
从数量角度看现代艺术，我们会发现西方艺术家们在短短半个多世纪里，以多角度。全方位的探索精神，实践了艺术形式（架上艺术）变革的各种可能性，乃至没给后人留下多少有待探索的空间。革命已经成功，同志无须努力，后来的艺术家只好另辟踝径。
从价值角度看现代艺术，我们会发现它基本上属于精英文化范畴，能坚守高雅艺术的节操，不屑于与凡俗为伍，这种观念就其本性来说，是历史上贵族文化的衍生物，但社会变化了，精神贵族们失去了世袭领地，也只好去尘世中摸爬滚打。
具体说，现代艺术的价值观表现在下列凡个方面：
(1)追求纯粹。现代艺术追求视觉产品的纯粹性，在创作中只考虑形式要素，忽略其他因素，如历史、宗教，文学等内容的介人，因而促成抽象艺术的发展。一般说，追求纯粹是精英化和专家化的思想，有局限性，等于画地为牢。
(2)提倡原创，这是把体育竞技的标准用到艺术上，把艺术创作看成是艺术史上的破纪录竞争，但体育是优胜劣汰，艺术可不是这样，艺术的发展不是进步，是改变。比如不能因为有了毕加索就说伦勃朗差。
(3)引形式至上，重视形式不是现代艺术特有的习性，古典艺术也非常讲究形式感，但古典艺术的形式服从内容表现，或者说，形式隐藏在形象的后边，而现代艺术是为形式而形式，赋予形式以独立价值和功能。
(4)叫自我中心。现代艺术家多闭门造车，表现自我，不考虑观众，还经常通过怪异行为和奇装异服而显示与众不同，因而作品也十分个人化，不容易理解，也因此帮助美术批评家获得了解释此类作品的特权。
（5）整体单调。这是指在现代艺术流行时期，一切非现代的作品，如传统写实手法的、有民族地域特征的、非发达国家的作品，均被排斥，弄得全球艺术家都要使用“跨国界语言”，因而造成了一定程度的全球性艺术语言贫乏症。
从以上几个方面看，我们就能理解，有反对它的力量出现，是件自然而然的事情。
三、后现代艺术的出现反对现代艺术的力量是在1960年代未出现的。
就在科技强权席卷一切，精英化，纯粹化的艺术山穷水尽的时候，新的艺术活动出现了，这些活动与当时的潮流是那么不同，竟然使西方艺术峰回路转，另开局面。下面就是当时新出现的几项艺术活动：
（1）大地艺术（LandArt或Earth Art），可以看成是室内装置作品向户外发展的结果，最早的样式可以追溯到古埃及的金字塔和英国的斯通亨治圆形石柱，而美洲的广阔土地为当代艺术家提供了展示才能的舞台。以沙漠、高山和草原为原始材料，修整出或附加上巨大的几何形式，是大地艺术的早期特色。最有名的作品是罗怕特·斯迈森（Robert Smithson）的《螺旋形防波堤》，这个堤坝宽15英尺，观众可以沿着堤坝走几圈，除此而外没有任何实用功能。
（2）装置艺术（InstallatiOn），是一种由非艺木材料构成。可在室内短暂陈列的立体展品，其中极少部分也会被博物馆收藏，它是一种布置展品的方法而非艺术特色或风格，所以它可以为许多艺术流派服务。最初的装置由弃置传统雕塑材料而来，其主要定义是：“（1）它们是装配起来的，而不是画。描、塑或雕出来的；（2）它们的全部或部分组成要素，是预先形成的天然或人造材料、物体或碎片，而不打算用艺术材料”。早期装置艺术的代表是德国的达达艺术家施威特（Kllrt schw-Itter），他在1920年代用各种材料将自己的住宅堆满。
（3）身体艺术（BodV art），是创作者将自己的身体作为艺术表达的材料，并结合绘画、摄影、录像或其他现场记录手段。形成的一种非戏剧化的表演艺术，“非戏剧化”是指无虚构、表演和做作成分。如勒瓦（Barry Le Va）的作品就是在相隔十几米的两堵墙之间跑来跑去，直到累倒为止。另一位维托·阿康西（Vito Acconci）曾经是个诗人，心理上有受虐倾向，比如他努力去咬自己身体上能咬到的部位，不咬出痕迹不罢休，还在公开场合手淫，并且架上扩音器将声音传播出去，迫使公众成为“窥淫”者，试图以此冲破社会禁忌，还有一位是克里斯·怕登（Chris Burden），这个人更是受虐狂，代表作《5天囚禁》是连续5天将自己关在一个铁箱子里；另一名作《枪击》是让他的朋友在匕英尺外向他的左臂开枪，这种惊世骇俗手法，使他立刻获得了世界声誉。
（4）概念艺术（ConceptuaI Art），来源于1920年代早期的达达艺术，认为艺术没什么神圣和持久的价值，它的本质是思想或者概念，物理形态的具体作品并不重要，所以也叫思想艺术（Ideaart），后物体艺术（Post Object art）或无物体艺术（De-materialized art），用来记录思想的文字材料，或者对一个事件的照相实录，是概念艺术的常见形态。概念主义艺术家探询艺术与思想或者艺术与知识的关系，这种探询的终点是文字的、数学的或美学与哲学的，从道理上说，这种作品实际上不是用来观赏的，传统的展出形式不适用。但既要展示内在思想又要避免外在形式，仍是长久的难题，那些被看成是观念艺术的作品，多是在美术馆和其他公众场合展出一些临时性的装置，例如随便堆放一些木头、砖块或其他杂物，有一个例子是在美术馆中展出一个巨大的鸟笼，里边有些活的鸟和其他物品，另有一个概念艺术团体则是一些从事随笔写作的人。代表人物有约瑟夫·库苏斯（Joseph Kosuth）、迈尔·波施纳（MeI Bochner）和汉纳·道波温（Hanne DarbOven）等人。
（5）过程艺术（Process art），认为艺术的制作过程比事先的构思重要，体验时间流逝胜于观看静止和持久的物体，力图表达瞬间即逝的短暂存在，此种艺术多使用易于体现时间变化的软性材料，最初的来源是波洛克和德库宁在创作中随意滴溅颜料的偶然性，创作过程多是作者对展出材料的任意改变。代表人物是罗伯特·莫里斯（Robert Morris），他的一件作品是在展厅里堆放一些没有任何价值的混杂材料。他每天去改变这些材料的放置状态，到展览结束时就将这些东西收起来扔掉。
有了上面一些活动，此后的西方艺术就出现两种相反的发展趋势，一种是纯艺术，就是让艺术保持独立品性，以区别其池事物。在纯艺术里，什么是绘画，什么是雕塑，有着明确的质的界定，另一种趋势则是混淆艺术与非艺术的界限，尤其是混淆艺术与生活的区别。前一种艺术的所谓“纯”，恰好是后一种艺术所竭力排斥的东西。而排斥的理由则是认为艺术的本质是启发创造性，人为地划分艺术范围是对刨造力的束缚，只有当艺术与生活融为一体时，艺术的创造力才能在最广泛的程度上得以体现。
新的艺术思想传播迅速，到川的年前后，美国的艺术杂志中就不再是满篇塑胶钢和几何型了，天然材料，行动的过程，环境和观众的介人，语义解析，摄影实录，逐渐成为艺术传媒的主要报道内容。至此，现人艺术的观念、方法和形式有了重大改变，人们说的后现代艺术，就是从这个时候开始的，下过，艺术吏的更迭不是军事交接。下会形成截然两端的局面，所谓新与旧，尾声与开场，往往同时存在，只是论述者为了叙述方便，习惯将纠缠在一起的事实分开来说，囚此，我们常会看到学者们对许多所谓流派运动的开端有众多说法，本文论述后现代艺术，因为要刻意寻找时间推移的秩序，就无法同时兼顾空间的划分,这是要请读者注意的。
促成西方现代艺术在1960年代未转变形态的原因很多，通常认为与下列社会背景有关：
（1）美国在越战的失败，导致反对战争的情绪增长，再加上冷成格局下的国际环境，陵人们对于人类社会和现实生活不抱有大多希望，并进一步开始蔑视已有的人类生活准贝1。在文化领域出现反主流和否定永恒价值的倾向。
（2）工业发展的副咋用。工业的进步曾给人类社会展示了美好的前景，但副作用也越来越明显，环境污染，能源紧缺，有毒废料，核武器危险，陵人们认识到，科学技术在解决一些问题的同时，叉带来了新的问题，人们开始清醒地看待工业进步的利弊得失，对科学方法产生了怀疑。
（3）社会问题突出，丰富的物质生活解决不了精神的问题，战后“垮掉的一代”出现。1968年，欧洲和美国都出现了学生运动热潮。
（4）新思想的出现。欧洲j午多哲学家们对当代文化提出了新看法，从而对艺术界产生影响，这些哲学家包括罗兰巴特、福科、德里达、拉康，利奥塔等人，他们对已有的社会抖学理论提出吠疑，关任多种文化形态，引导人们怀疑任何单一的理论框架和终极判断，在艺术领域则是重新肯定具象的价值，从而导致对追求形而上的现代艺术的脱离。
除了上述外在因素，过分理性儿和科技化是促使艺术方向发生转变的内在原因。需知人类的精神世界和自然生态一样，既变化万端又相互平衡，如果其中某仲囚幸过分发展，就会有相反的力量来克服它。如果科学对艺术干预大多，就会有反科学的力量出现。
四、后现代艺术的价值观1980年代以后，以美国为中心，后现代艺术已经风起云涌，成为新的世界性的艺术潮流。综合地看这些艺术现象，可以明显感知新的价值现在成长，它主要表现在以下几个方面：
（1）不求纯粹，当代艺术不局限于视觉形式，语言文字、音乐戏剧、大众传媒。数码影降、声光电化，只要能传达特定信息，就无所不用，绘画超越平面限制，雕塑结台风景和建筑，展出场地也不局限在画廊扣博物馆，在当代西方，所谓视觉艺术已经与其他门类艺术难分准解。
（2）善侍传统。人类有丰富的传统文化资源，弃之如蔑很可惜，当代艺术家不反对传统，而是利用过去以更新自我。在时间和环境改变后，旧符号可能产生新意义，分冰的“天书”，蔡国强的“草船惜箭”。都是这样。
（3）非个人化，在艺术之上，除了19世纪后期到J）世纪中期这段时间，“个人表现”都不是创炸的主要目标，后现代艺术强调社会功能，使艺术走出象牙塔，贴近大众生活，艺术家以天下任为己任，关心社会问题，积极参与社会活动，不再是特立浊行的另类人物。
（4）多种标准，“多元”是当代艺术的核心观念，虽然国际上仍有主流艺术趋势的存在，但却不再用统一的标准判断优劣，比如承认不同国家，民族，地域的艺术的价值，女性艺术、土著艺术，非发达国家艺术受到重视，等等。但也因此出现繁杂混乱的局面，难以系统化。
综合以上的论述，也许我们可以对后现代艺术有个粗浅的认识：它起源于对现代艺术的反叛，发展出表达思想和传递信息的新方法，观念的更迭，技术的转换，以及它所代表的公众意识、多元价值观和自由创造精神，体现了西方当代文化中的发展趋势，但由于地域，文化和体制的不同，中国美术界还不能在短时期内以整体面貌融入这一全球范围的艺术运动，但这并不妨碍新艺术因素的增长，也不妨碍我们从常识的角度去获得西方当代艺术的知识。
五、杜尚的启发在涉及西方后现代艺术的话题时，不能不提到法国画家杜尚（MarceI Du-champ）调池被人们描述成西方后现代艺术之父，理解他的艺术和生活，对理解西方后现代艺术的诸多奇妙现象大有帮助，但理解杜尚是个难题）因为他的作品与生活都与常人相去太远；难以合理解释。
虽然杜尚的艺术实践止于1930年代。而且在1968年去世，但他旱期的短暂艺术活动却在后来产生了持续的影响力。1913年他完成了第一件现成品艺术《自行车轮》表达对传统作品中注重结构的轻视。并暗示艺术创作中最重要的因素是观念而非制作技巧。《巧克力研磨机八号》差不多是杜尚最后一件架上作品，是对学院派油画的嘲弄。1915年后杜尚定居纽约， 1917年完成《泉》是一只小便器；另一件作品是L.II.O.O.Q,（1919），是给印刷品《蒙娜丽莎》添上小胡子。杜尚最重要的作品是《大玻璃》又名《新娘被她的汉子剥得精光》，该作品从1915年开始制作，至1923年仍未完成。192O年后，杜尚对光学和电影的兴趣与日俱增，川年代后他又将兴趣转到国际象棋上。
杜尚最重要的贡献是“现成品”艺术。虽然从世俗的角度看，把现成的工业产品或是其他物品摆到美术展览会上是荒诞不经的，但事实上这却改变了人类对艺术乃至对世界的整个看法，人们开始质疑传统价值观念和艺术创作模式的必要性，至少。在西方后现代艺术中，“现成品”的影响无处不在，并从以下几个方面给人们以启发：
（1）形式与美都不重要。自古以来，艺术家以创造美的形式为天职，并赋予此类工作以崇高的地位和价值。但杜尚认为美并不存在，艺术和创造艺术的人也没什么特别崇高的地方，他告诉人们，普通物品与艺术品没什么区别，果艺术是美的；那普通物品也是美的，如果普通物品不美，那艺术也好不到哪儿去，所谓艺术的审美价值只不过是人们的成见而已。他把那个“小便池”送进展览会，对打破这个成见起了很大作用。
（2）环境和时间比作品更重要，变现成品为艺术品的决定因素是环境和时间。与作品本身无关。这说明，在一定条件下。任何东西乃至行为都可以是艺术；也可以反过来说，当条件改变时，任何东西乃至行为都可以不是艺术，按中国话说，就是此亦一是非，彼亦一是非，由于环境和时间永远在流动扣变化中，所以文艺复兴的经典“蒙娜丽莎”到了20世纪，就可以被画上小胡于，成为笑料；囱行车轮和凳子放进美术馆里，就等于结构主义的雕塑。
（3）引艺术回到自发和天然的状态，人类最初的艺术活动是自发和天然的，无须专门训练，更没有艺术家和非艺术家之别。但后来就有了分工，艺术成了一项专门的工作，也因此有了专门的关于艺术的标准。显然，这种分工和标准是以往制度的产物。有碍于健全的人性发展。如果在社会条件改变的情况下，仍然把这些已有的标准当成至高无上的法则要人们遵守，就太不合理，“现成品艺术”就是完全不把已有的艺术标准乃至文化尺度放在眼里，以一种看似搞笑而实际上相当深刻的思想，嘲笑了人类在文化领域的拘谨和匠气，从而呼唤一个新的富有自由创造精神的时代的到来。
（4）叫取消技术的限制，人们久已习惯将艺术创作看成是一种专门的技术操作这程，所以才有美术学院和专业画家，“现成品”艺术却与作者的个人技术无关，它只需要一种选择的眼光，而选择是一种思考过程，与物质产品的制作技术毫无关系。杜尚在这里告诉人们，艺术的价值在于思想。有思想，任何物质产品都可以成为艺术品。这种将艺术等同于思想的做法，客观上取消了传统意义上的艺术学科，暗含了艺术与艺术史即将终结的理论判断。
美国画家德库宁（De Koonig）说：“杜尚一个人发起了一场运动一一这是一个真正的现代运动，其中暗示了一切：每个艺术家都可以从他那里得到灵感”，以似乎是随手拈出的“现成品”，轻松地扭转了西方艺术发展的方向，是杜尚留给后人的先驱者形象。杜尚之后，反对一切既定的艺术模式和评判标准，以毫无挂碍的自由精神为艺术创作目标，成了西方艺术界的共识。

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